Сборник «The Manifesta Journal Reader: Избранные статьи по кураторству» является учебником для будущих российских специалистов в области современного искусства, кураторов, критиков и теоретиков. В книге представлены двадцать восемь статей из предыдущих семнадцати выпусков Manifesta Journal, первого профессионального журнала по вопросам теории и практики кураторства. Это издание стало результатом сотрудничества Международного фонда «Манифеста» (Амстердам) и факультета свободных искусств и наук Санкт-Петербургского государственного университета.

Книга призвана послужить теоретическим базисом для переосмысления целей, задач и результатов современной кураторской практики. Ее авторы обсуждают теоретические основания кураторства и пытаются сформулировать его современную грамматику, а также соотносят кураторскую практику со злободневными политическими, гуманистическими и дискуссионными задачами.

Новая коллекция критических эссе, исследующих, в каком направлении движется современная фотография и какую роль она играет в визуальной культуре сегодня. 

Сегодня фотография является доминирующей визуальной культурой и мощной силой в нашем обществе. Фотографическое искусство претерпевает невероятно быстрые технологические изменения, и одновременно у нас есть новые, широкие социальные системы коммуникации. В свете этих технологических изменений антология «Thinking Photography, Photography Using» представляет новые теории фотографического медиа и анализирует, как мы используем и потребляем фотографию в 2000-х годах. «Thinking Photography, Photography Using» предлагает глубокий и разнообразный взгляд на последние исследования в области фотографии.

Антология является результатом двухлетнего калейдоскопического исследования фотографии в Швеции и Европе, проведенного Центром фотографии в сотрудничестве с JMK - кафедрой журналистики, медиа и коммуникации Стокгольмского университета и Музеем изображения в Умео.

Эссе и фотографии авторов: Карин Беккер, Тринидад Каррильо, Карен Кросс, Рональд Джонс, Анна Клеберг, Ян-Эрик Лундстрём, Бертьен ван Манен, Гунилла Мур, Туомо Райнё, Анна-Кайса Растенбергер, Лив Стольц, Дэмиан Саттон, Дэвид Томас, Карин Вагнер, Доун М. Уилсон.

В комплексном издании «How We See», посвящённом «book-on-books», представлено двести современных и исторических фотокниг, созданных женщинами-фотографами; аннотированная хронология; именной и визуальный указатели; а также эссе ведущих историков, фотографов и издателей.

Мартин Парр редко и мало говорит о своем творчестве публично, несмотря на то что он не обделен вниманием публики и, более того, считается одним из крупнейших фотографов своего поколения. Однако в этих интервью с Квентином Бажаком он рассказывает едва ли не обо всем: о социальной направленности своих работ, о своем интересе к среднему и рабочему классу, культуре отдыха и развлечений и предметам массового потребления. Читатель узнает о детстве фотографа, годах обучения в Манчестерском политехническом колледже, о полемике, сопровождавшей его творчество в 1980-е годы в Англии. Парр не только занимает особое место в медийной фотографии - между искусством и репортажем; его участие в фотографическом процессе включает как работу историка и редактора фотокниг, так и куратора выставок и коллекционера.
Если глобализация - его любимая тема - порождает у большинства из нас определенное разочарование в окружающем мире, гуманистичные образы этого мира, созданные Мартином Парром, не только остаются с нами надолго, но и позволяют взглянуть на него совсем другими глазами.

The (Un)becomings of Photography — О реагрегации и пересборке фотографического и его институтов

Данное издание сопровождает 14-й Краковский фестиваль фотографии Photomonth

Редактор (концепция и содержание): Ларс Виллумайт
Графический дизайн: Пилар Рохо
Выпускающий редактор: Йоанна Осевич-Лоренцуцци
Редактирование текстов: Дэниел Левин Беккер
Корректура: Бен Кошалка
Перевод с польского: Кшиштоф Ковальчик
Предпечатная подготовка: Анджей Карлик

Две версии обложки (варианты А и Б, по 250 экземпляров каждая):
— вариант А: фото Пола Грэма и Янна Мингара на лицевой стороне; журнал Werker Magazine и Discipula — на оборотной;
— вариант Б: фото Анеты Гжешиковской и Макса Пинкерса на лицевой стороне; Sputnik Photos и Томас Кёйперс (фото Спенсера Рескаллы) — на оборотной.
Коллажи выполнены Пилар Рохо.

От использования банального и «нехудожественного» снимка в концептуальном искусстве до тщательно выстроенных таблиц Джеффа Уолла — данная книга рассматривает весь спектр способов, с помощью которых современные художники работают с фотографией как с искусством.

Некоторые художники, такие как Софи Каль и Эрвин Вурм, используют фотографию как документальную фиксацию реального перформанса или повседневного действия, в то время как другие, например, Йинка Шонибаре и Грегори Крюдсон, инсценируют вымышленные сцены и нарративы, чтобы рассказать истории. Андреа Гурски, Томас Деманд и Ринеке Дейкстра представляют холодный, кажущийся объективным взгляд на внешний мир, тогда как Ричард Биллингем, Нан Голдин и Вольфганг Тильманс предлагают зрителю интимные детали своей частной жизни. В руках Люка Делаэ и Аллана Секулы фотография становится инструментом документалистики, а для таких авторов, как Синди Шерман и Джиллиан Уиринг, фотография превращается в хранилище личных, социальных и культурных ценностей в мире, перенасыщенном образами.

Включая описание творчества наиболее значимых художников и ключевых работ, книга «The Photograph as Contemporary Art» является идеальным введением в доминирующий вид искусства XXI века.

Журнал, который вы держите в руках, является продолжением серии публикаций, которую мы делаем с самого начала существования Школы. Ко всем значимым событиям мы выпускаем газету – «Бюллетень Школы», где публикуем тексты, арт-проекты, графику и другие материалы, созданные как студентами, так и преподавателями. Кроме того, в этой газете всегда есть критические тексты, рассматривающие современное состояние, как искусства, так и художественного образования. Эта серия публикаций является важной частью нашего образовательного процесса, потому что дает возможность отрефлексировать процесс становления Школы и нахождения ее места в социуме, и, тем самым, формирует сообщество наших зрителей-читателей, из которого, как мы надеемся, вырастут будущие участники нашей Школы.
Мы начали проект Школы в тот момент, когда в обществе стали происходить драматические события, затрагивающие каждого из нас, и привычная система координат съехала непонятно куда. И это состояние полной неуверенности, парадоксальным образом послужило основанием для выстраивания отношений равенства в нашей Школе. Когда ты ни в чем не уверен, то легко отказаться от менторской позиции, разделить это состояние со своими студентами и начать совместный поиск новых ориентиров, как в творчестве, так и в гражданской жизни.
В этот журнал мы включили тексты, как уже публиковавшиеся в нашем «Бюллетене Школы Розы», так и написанные специально для этого издания. Собрав их вместе, мы получили неоценимый опыт, обнаружив, что сквозь них начинают просвечивать какие-то новые практики в искусстве и образовании. К сожалению, это публикация так же показывает и непростое положение инициатив, подобных нашей Школе: отсутствие академических структур, способных создавать критическое вовлеченное знание в искусстве, нехватка финансовой поддержки, и, главное, все большие ограничения на любые формы свободных и критических высказываний в публичной сфере. Ни для кого не секрет, что эти явления обострились в тот период времени (2013-15 годы), которому посвящен наш журнал.
Мы благодарны Фонду Розы Люксембург и его директору Тине Фарни, которые поверили в нас, поддержали нашу инициативу и дали возможность реализовать наш образовательный эксперимент, к чему мы стремились многие годы. Теперь, по прошествии двух лет работы Школы, мы видим, что та задача, которую мы поставили перед собой в самом начале — «формирование нового поколения российских художников, воспитанных на ценностях социалистической культуры» — имеет смысл. Тот коллективистский настрой, который держат выпускники Школы, дает нам надежду на то, что и в наше сложное и трагическое время искусство способно выстраивать диалог с обществом и сохранять свой радикальный утопический потенциал.

Целью книги был сбор информации, касающейся истории фотографии в 35 европейских странах — «from the Iceland to Russia and from Scandinavia to the Mediterranean countries» — в период 1900–2000 годов, а также создание профессионального многотомного энциклопедического издания на английском языке с разделением на три периода: 1900–1938, 1939–1969, 1970–2000. Книга под редакцией профессора Вацлава Мачека выходила в 2010–2016 годах и насчитывает в общей сложности около 2400 страниц; её цель — рассматривать каждую европейскую страну на равных основаниях, без иерархии и доминирования. «The History of European Photography» включает работы 77 авторов со всей Европы: критиков, историков, кураторов и других специалистов.

Часть 1. 1900–1938
Охватывает начало и первые три десятилетия XX века. Эта эпоха известна своими новациями в науке и технологиях. Однако благодаря существующим книгам Бомонта Ньюхолла, Хельмута Гернсхайма, Наоми Розенблюм или Мишеля Фризо можно было получить некоторую информацию о «других континентах» — Латинской Америке, Азии и даже Африке. В то же время у нас не было никаких данных об истории фотографии малых европейских стран (Албании, Исландии, Эстонии и др.). Первый том «The History of European Photography 1900–2000» восполняет этот пробел наряду со многими другими. Благодаря множеству различных национальных и иных позиций фотографическое освещение крупных социально-политических событий (Первая мировая война и т.д.) также выглядит иначе и новаторски. Интересно наблюдать, как в некоторых странах.

Часть 2. 1939–1969
Эта часть книги охватывает наиболее бурные и драматические главы исторических реалий и их фотографических репрезентаций. До сих пор известные в основном через героические / эмблематические образы «победителей» (например, «Combat» Балтерманца и др.), даже Вторая мировая война выглядит совершенно иначе глазами / через объектив тех, кто эту войну проиграл (включая страны Балтии, страны Центральной и Восточной Европы и т.д.). Если классический модернизм захватил сцену фотографии в странах Центральной Европы в первой половине XX века, то на более периферийных окраинах схожие процессы начались и продолжались в 1960-е и даже в 1980-е годы. Фотография в тот период также была тесно связана с кинематографом, театром, литературой и т.д.

Часть 3. 1970–2000
Охватывает последнюю четверть XX века. В 1970-е годы процессы, описанные в части 2, в значительной степени продолжались. Важнейшим социальным сдвигом этого периода стал, конечно, распад Советского Союза. В результате на карте появилось множество независимых государств. В связи с этим концептуальная трактовка фотографического медиума и постмодернистское политическое использование фотографии стали новыми течениями в истории до сих пор «периферийного» искусства и фотографии. В искусстве стало довольно обычным занимать критические позиции по отношению к обществу. Кроме того, искусство, которое ранее было скрыто за железным занавесом, снова стало широко демонстрироваться по всему миру.

Целью книги был сбор информации, касающейся истории фотографии в 35 европейских странах — «from the Iceland to Russia and from Scandinavia to the Mediterranean countries» — в период 1900–2000 годов, а также создание профессионального многотомного энциклопедического издания на английском языке с разделением на три периода: 1900–1938, 1939–1969, 1970–2000. Книга под редакцией профессора Вацлава Мачека выходила в 2010–2016 годах и насчитывает в общей сложности около 2400 страниц; её цель — рассматривать каждую европейскую страну на равных основаниях, без иерархии и доминирования. «The History of European Photography» включает работы 77 авторов со всей Европы: критиков, историков, кураторов и других специалистов.

Часть 1. 1900–1938
Охватывает начало и первые три десятилетия XX века. Эта эпоха известна своими новациями в науке и технологиях. Однако благодаря существующим книгам Бомонта Ньюхолла, Хельмута Гернсхайма, Наоми Розенблюм или Мишеля Фризо можно было получить некоторую информацию о «других континентах» — Латинской Америке, Азии и даже Африке. В то же время у нас не было никаких данных об истории фотографии малых европейских стран (Албании, Исландии, Эстонии и др.). Первый том «The History of European Photography 1900–2000» восполняет этот пробел наряду со многими другими. Благодаря множеству различных национальных и иных позиций фотографическое освещение крупных социально-политических событий (Первая мировая война и т.д.) также выглядит иначе и новаторски. Интересно наблюдать, как в некоторых странах.

Часть 2. 1939–1969
Эта часть книги охватывает наиболее бурные и драматические главы исторических реалий и их фотографических репрезентаций. До сих пор известные в основном через героические / эмблематические образы «победителей» (например, «Combat» Балтерманца и др.), даже Вторая мировая война выглядит совершенно иначе глазами / через объектив тех, кто эту войну проиграл (включая страны Балтии, страны Центральной и Восточной Европы и т.д.). Если классический модернизм захватил сцену фотографии в странах Центральной Европы в первой половине XX века, то на более периферийных окраинах схожие процессы начались и продолжались в 1960-е и даже в 1980-е годы. Фотография в тот период также была тесно связана с кинематографом, театром, литературой и т.д.

Часть 3. 1970–2000
Охватывает последнюю четверть XX века. В 1970-е годы процессы, описанные в части 2, в значительной степени продолжались. Важнейшим социальным сдвигом этого периода стал, конечно, распад Советского Союза. В результате на карте появилось множество независимых государств. В связи с этим концептуальная трактовка фотографического медиума и постмодернистское политическое использование фотографии стали новыми течениями в истории до сих пор «периферийного» искусства и фотографии. В искусстве стало довольно обычным занимать критические позиции по отношению к обществу. Кроме того, искусство, которое ранее было скрыто за железным занавесом, снова стало широко демонстрироваться по всему миру.

Материалы конференции "Энди Уорхол Симпозиум"

Конференция "Энди Уорхол Симпозиум" проходила в Государственном Эрмитаже 30-31 октября 2000 года и была организована Государственным Эрмитажем совместно с Петербургским фондом культуры и искусства "Институт ПРО АРTЕ" и "СЕС – International Partners" (США) при финансовой поддержке фонда "Trust for Mutual Understanding" и Генерального консульства Соединенных Штатов Америки в Санкт-Петербурге.

Издание материалов конференции осуществлено Государственным Эрмитажем совместно с Петербургским фондом культуры и искусства "Институт ПРО АРТЕ" при финансовой поддержке Фонда Форда.

Книга о тринадцати литовских фотографах: И. Кальвялис, В. Бутырин, Р. Дихавичюс, Р. Ракаускас, В. Страукас, В. Шонта, М. Баранаускас, В. Луцкус, А. Суткус, А. Кунчюс, А. Мацияускас, Ю. Вайцекаускас, Р. Пожерскис.

Фотохудожники, о которых пойдет речь, находятся в расцвете творческих сил. Они призеры многих отечественных и зарубежных выставок. Фотографическая школа, сложившаяся в послевоенной Литве и громко заявившая о себе в начале шестидесятых годов, хорошо известна и в нашей стране и за рубежом.

В статьях, в обзорах, на диспутах и конференциях созвездие литовских талантов обычно упоминается нерасчлененно. В известном смысле это оправдано – творческие, мировоззренческие устои мною рассматриваемых мастеров или едины, или близки. Но не бывает одинаковых звезд, даже в одном классе. Настоящего художника всегда выделяет индивидуальная манера, своя поэтика, система запретов и разрешений, которые он себе положил, традиции, которым он верен. Вот об этом, об их несхожести, моя книга.

А еще она – о крае, о литовской земле, которая предстала в их опыте так прекрасно, щедро и неожиданно.

Эта книга – о фотоискусстве. Последнее слово я понимаю без всякой метафоричности, вполне буквально. Человек с фотоаппаратом может быть художником ничуть не слабее человека с пером или кистью. Как каждый художник, он способен в своих творениях раскрыть себя.

Я взял тринадцать фигур. Можно было взять двадцать три или тридцать.
Почему и выбрал этих? Когда составляется букет, думают не только об отдельном цветке, но и о взаимной предрасположенности каждого из них. Мне же вдобавок надо было постоянно держать в уме поле, с которого они собраны и которое в совокупности должны представлять.

Марлен Дитрих однажды сказала: «Я не миф». Но, используя это слово, Дитрих лишь с большей убедительностью подтверждает обратное. Поскольку почти под любым стандартным словарным определением этого термина Дитрих является мифом. Её образ был сконструирован режиссёром Йозефом фон Штернбергом в таких фильмах, как «Голубой ангел», «Шанхайский экспресс» и «Алая императрица», после чего она продолжила голливудскую карьеру, включившую в себя ленты «Дестри снова в седле», «Ранчо „Печальное“» и блестящую роль в фильме Билли Уайлдера «Свидетель обвинения». На протяжении десятилетий она была объектом поклонения для миллионов людей — вплоть до нашего пресыщенного, постмодернистского XXI века. Она — «интеллектуальная пин-ап герл», как назвал её писатель Герман Г. Вайнберг, — для кинематографистов и кинокритиков в равной степени. Она — «священное чудовище» (Monstre Sacre), как назвал её один из недавних биографов. Она — «собственный продукт высшего качества» (Superior Product) (по выражению её дочери), произведённый и очищенный в её плодотворном уме. Иными словами, Марлен Дитрих — это икона для всех поколений.

В предлагаемое издание вошли статьи об искусстве и манифесты одного из лидеров русского авангарда Казимира Малевича, выдающегося художника, теоретика искусства, философа. Его знаменитый «Черный квадрат», ставший символом течения супрематизм, потрясшего основы реалистического фигуративного искусства, обернулся не черной дырой, а источником мощного обновления. Книга предназначена для широкого круга читателей.

«И мы отличали ампир от барокко, как вы в этом возрасте — ели от сосен», — писал поэт, словно бы извиняясь. Ипполитов не извиняется, он искусствовед, ему положено. Он делает свое дело: рассуждает об искусстве — да так увлекательно, что становится понятно, откуда быть пошел нынешний музейный бум, например, или ставшие вдруг бешено популярными архитектурные прогулки. По какому бы конкретному поводу он ни писал, получается очень убедительно, красиво и осмысленно. Отменно тонко и умно. И хочется немедленно приобщиться, смазав пятки, бежать в музей... Хочется смотреть на мир его глазами. «И мир опять предстанет странным, закутанным в цветной туман». И достигает он этого словом. В эпоху тотальной смартфонной визуальности ты вдруг понимаешь, как стосковался по слову, как не хватает слова, а ведь в начале было слово... Даром что искусствовед и пишет в силу этого именно что о визуальном. Читать его — наслаждение, несколько призабытое: belles lettres, в чистом виде.

Общая тема эссе поэта Марии Степановой – ситуация человека перед лицом небытия и способы сопротивления небытию, которые человеку предлагает культура. Пристально рассматривая тексты и судьбы своих героев (в их числе Введенский и Цветаева, Зебальд и Зонтаг, Айзенберг и Шваб), автор исследует два таких способа: поэзию и non-fiction, с разных точек и по-разному противостоящие забвению и распаду.

Книга Е.Ю.Андреевой об интернациональном изобразительном искусстве второй половины XX - начала XXI века посвящена поиску ответа на вопрос: что в каждый данный исторический момент понимают под словом «современный»? Читателю предлагается увлекательное путешествие через несколько пластов современности от 1940-х годов к сегодняшнему дню. Исследуя смену концепций современного искусства, автор рассказывает историю основных его направлений: абстрактной живописи, поп-арта, неодада, минимализма, концептуализма, лэнд-арта, политического и феминистского искусства, симуляционизма и апроприации, видео-арта. Творчество российских художников впервые рассматривается как составная часть общемировой эволюции актуального искусства.

Книга богато иллюстрирована и адресована всем интересующимся личностями, идеями и проблемами современного художественного творчества.

Модернизм — явление сложное и внутренне противоречивое, это поиск новых средств выразительности, адекватных реальности, стремительно менявшейся в XX веке. М. Ю. Герман рассматривает творчество выдающихся мастеров — Пикассо и Матисса, Бранкузи и Клее, Модильяни и Сутина, Кандинского и Малевича, Дюшана и Ман Рэя и других знаковых фигур нового искусства в широком историческом и художественном контексте. Увлекательно рассказывает автор о творцах и созданных ими шедеврах, которые во многом «ответственны» за то, как сегодня мы видим и воспринимаем мир.
Книга будет интересна самому широкому кругу ценителей искусства.

Увлекательный проект на стыке искусства, истории и литературы. «Pedagogical Poem» — это междисциплинарная исследовательская программа и выставка, задуманная Арсением Жиляевым и Ильей Будрайтскисом и организованная Фондом V-A-C. Этот уникальный проект соединяет историю, современное искусство и педагогику. Он возник на основе серии из более чем 100 лекций и семинаров, проведённых российскими и зарубежными художниками, историками и теоретиками культуры в Музее истории «Пресня» в Москве с марта по ноябрь 2012 года. Кульминацией проекта стала выставка «The Archive of the Future Museum of History», разработанная группой участников цикла «Pedagogical Poem» и представленная в музее как результат образовательной программы и самостоятельной архивно-исследовательской работы, проведённой в его стенах.

“Image Makers, Image Takers” это первая книга рассматривающая, что является мотивом и что вдохновляет фотографов сегодня, а так же что делает их успешными. Она показывает, как некоторые из наиболее авторитетных фотографов, работающих в области искусства, документалистики, моды, рекламы и портретной живописи создают свои фотографии, а так же исследует, чем руководствуются фото-редакторы, кураторы, галеристы, агентства, директоры и издатели книг по искусству, при выборе изображения. Используя технику интервью, журналист и критик Анна-Селин Джагер изучает рабочую практику известных фотографов, описывая таинственный процесс художественного творчества, возникающие в процессе подготовки и создания фотографии. Здесь Вы сможете найти то, как и чем был вдохновлен Марио Сорренти, чтобы сделать фотографию обнаженной Кейт Мосс лежащей на диване, для знаковой рекламной кампании Calvin Klein, каким образом Себастьяо Сальгадо находит подход к людям, которых он фотографирует и многое другое.

Одна из самых авторитетных книг в своём роде — «On Photography» Сьюзен Сонтаг, впервые опубликованная в 1977 году и охарактеризованная автором как «цикл эссе о значении и судьбе фотографий». Книга открывается знаменитым эссе «В пещере Платона», затем следуют ещё пять прозаических размышлений на эту тему, а завершается она увлекательной и глубокой «Краткой антологией цитат».

В книге «The Nature of Photographs» Стивен Шор исследует способы понимания и рассмотрения всех типов фотографических изображений — от культовых снимков до найденных фотографий, от негативов до цифровых файлов. Основанная на многолетнем опыте преподавания фотографии Шора в Бард-колледже (штат Нью-Йорк), эта книга служит незаменимым инструментом для студентов, преподавателей и всех, кто хочет научиться лучше снимать или более осознанно смотреть на фотографии.

Наряду с подборкой собственных работ Шора, «The Nature of Photographs» включает изображения из всей истории фотографии — от работ основоположников фотографии, таких как Альфред Стиглиц и Уокер Эванс, до произведений современных художников, работающих с этим медиумом, например, Кольер Шорр и Томаса Штрута. Книга охватывает различные жанры: уличную фотографию, художественную фотографию, документальную фотографию, а также снимки неизвестных авторов — будь то старый любительский снимок или аэрофотосъёмка, выполненная в рамках географических изысканий. Сочетая ясный, умный и доступный текст с этими работами, Шор демонстрирует, как мир перед объективом камеры преобразуется в фотографию.

Эта книга представляет собой личное, историческое и философское исследование взаимоотношений между фотографиями и монументами. Построенная вокруг чередования текста и изображения, каждая из тринадцати глав подходит к теме с новой отправной точки — от переосмысления известных произведений искусства до любительских снимков монументов на территории бывшего Советского Союза, сделанных в 1960-х годах. В своей основе «The Photograph Commands Indifference» рассматривает тезис о том, что и фотографии, и монументы пытаются остановить или восстановить стремительное ускользание смысла от объекта и его присутствия. Тем самым книга ставит под вопрос само стремление создавать материальные факты из фундаментально абстрактных процессов желания и утраты, которые характеризуют память.

В книгу "Лежи ровно 01: оставайся при свете" включены эссе Тима Дэвиса, Дариуса Хаймса, Кары Филлипс и Эрика Уильяма Кэрролла, интервью Шейна Лавалетта с Майком Манделем и стихотворение Джейсона Фулфорда, все они сопровождаются 20 несвязанными фотографиями от нескольких международных фотографов: Густава Альместола, Ричарда Барнса, Коули Брауна, Мишеля Кампо, Тобиаса Фельдта, Николаса Хаггарда, Эстель Ханания, Николай Ховальт и Трине Сендергаард, Уитни Хаббс, Хиройо Канеко, Никола Каст, Энн Ласс, Марк Макнайт, Дебора Миттельштедт, Ян Орхан, Эд Панар, Shawn Records, Камден Венсилл, Андреас Вайнанд и Раймонд Вуда.

Книга Андрея Ковалева «Критические дни» — не только коллекция газетных и журнальных статей автора об актуальном русском искусстве, но и «бдительная хронография» перемен в искусстве 1990-х.

Пятое издание этой фундаментальной истории фотографии охватывает весь путь развития медиума — от его ранних этапов до современной практики, включая новейшие технологические достижения и влияние социальных медиаплатформ. Этот труд остаётся всеобъемлющим обзором, дающим целенаправленное понимание культурных контекстов, в которых жили и работали фотографы на протяжении всей истории.

Мэри Уорнер Мариен рассматривает историю фотографии с подлинно глобальной точки зрения (включая Латинскую Америку, Африку, Индию, Россию, Китай и Японию) и обращается к широкому кругу изображений через призму искусства, науки, путешествий, войны, моды, средств массовой информации и творчества отдельных фотографов. В книге представлены как профессионалы, так и любители и художники; разделы «Портрет» посвящены ключевым персоналиям, а рубрики «Фокус» освещают конкретные культурные дискуссии.

Новое дополнение к этому новаторскому глобальному исследованию включает 20 новых иллюстраций, а также разделы, посвящённые достижениям в области технологий и влиянию социальных медиаплатформ. Эта книга является обязательным текстом для всех, кто изучает фотографию.

В книге английского автора рассмотрены вопросы оптимального использования естественного освещения и организации искусственного освещения для разных сюжетов и условий съемки. Подробно описано современное осветительное оборудование вплоть до специального, студийного. Отмечены особенности, связанные с кино и видеосъемками, указаны наиболее частые ошибки, обусловленные неправильным освещением или несоответствующим использованием техники Значительное число практических советов иллюстраций делают книгу полезной в повседневной работе фотографа. Для фотографов-профессионалов и фотолюбителей.

Материалы научно-практической конференции, посвященной 150-летию со дня рождения М. П. Дмитриева, 19 сентября 2008 г.

В сборнике публикуются материалы научной конференции, посвященной 150-летию со дня рождения М. П. Дмитриева, состоявшейся 19 сентября 2008 г. В них рассматривается ряд тем, непосредственно связанных с жизнью и творчеством М. П. Дмитриева, его фотонаследием и проблемами сохранности, охраной фотографической собственности в дореволюционный период, историей усадьбы на Осыпной, где жил и работал выдающийся фотограф. Также уделено внимание вопросам, которые так или иначе соотносятся с историей и искусством фотографии.

Леонид Бажанов (1945–2025) — ключевая фигура в российском современном искусстве. Он был искусствоведом, куратором и художником, основателем Государственного центра современного искусства (ГЦСИ) в Москве (1992 год). Он сыграл огромную роль в легализации неофициального искусства и интеграции российского искусства в мировой контекст.

Книга посвящена любительской фотографии в России конца XX — начала XXI века. Любительская фотография рассматривается как своеобразный «язык», который используется для передачи визуальных сообщений. В монографии делается попытка реконструировать систему неписаных правил и конвенций этого «языка», стоящих за визуальными «высказываниями». Одни из таких правил касаются того, что снимать, другие — как, третьи — кому и когда это показывать.
Исследование основано на фотографиях и альбомах из государственных и частных коллекций, наблюдениях и интервью, а также произведениях художественной литературы и фильмах, относящихся к изучаемой культуре, дискуссиях на интернет-сайтах.
Книга адресована специалистам в области гуманитарных и социальных наук и всем интересующимся современной визуальной культурой.

Рассматриваются основные подходы к проблеме видимого и невидимого в работах ведущих современных философов и культурологов, таких как М. Мерло-Понти, Ж.-Л. Марьон, М.-Ж. Мондзен, Ж.-Л. Нанси, Ж. Деррида, Р. Барт, Р. Краусс и В. Флюссер. Автор стремится не только представить взгляды этих теоретиков в избранной ими оригинальной перспективе (недостаточность "чтения" визуального в качестве набора знаков), но и наметить предметное поле новой дисциплины - исследование визуального.
Для студентов, аспирантов, преподавателей вузов, а также широкой аудитории, интересующейся проблемами современной визуальной культуры.

Фотокнига — слово довольно неточное. Оно вмещает в себя так много: поэзию, вымышленное повествование, репортаж, инструкцию, абсурд. И всё же это удачный термин для жанра, существующего в частично иных условиях, нежели книги с текстом.

Работаете ли вы над фотопроектом и хотите завершить его осмысленным образом? Забит ли ваш офисный ящик снимками, которые заслуживают аудитории? Получаете ли вы больше удовольствия от, скажем, двадцати тщательно отобранных фотографий, напечатанных на настоящей бумаге и представленных в продуманной форме, нежели от всех этих мелькающих в интернете изображений?

В этой книге знаток фотокниги Томми Арвидсон пишет о том, как на практике можно превратить мечту о фотокниге в готовое издание — среди прочего, как работать с отбором снимков, искать финансирование, находить дизайнеров и обращаться к издателям.

Вдохновитесь также рассказами авторов фотокниг (а также дизайнера, выставочного продюсера и издателя), которые щедро делятся своими личными взглядами и мыслями о фотокниге как средстве выражения.

Томми также рассказывает о том, как создать выставку и организовать вернисаж к выходу книги, и проводит вас по всем важнейшим издательствам, фотокнижным фестивалям, книжным магазинам и выставочным залам.

Entering a Site of Production MoDERNISM MACHINE

ВЫСТАВКА, РИДЕР И СИМПОЗИУМ. ИЮНЬ 2011 – ОКТЯБРЬ 2012

Художественный центр Хени Онстад (Henie Onstad Kunstsenter, HOK) был основан в 1968 году как дар коллекционеров Сони Хени и Нильса Онстада. Выбор термина «Kuntsenter» («художественный центр») вместо «музей» был осознанным решением его первого директора, который таким образом обозначил, что HOK должен быть не только хранителем сильного европейского основного собрания, но и производителем современного экспериментального искусства.

Сегодня HOK — одна из ведущих площадок Норвегии, представляющих норвежское и международное современное искусство, а также искусство XX века. Художественный центр является активной ареной для дискуссий и социальной критики, демонстрируя широкую вовлеченность в искусство и работу со своей аудиторией. Его экспертиза, коллекции и историческая идентичность лежат в междисциплинарной области, с особым акцентом на взаимосвязь искусства, музыки, перформанса и исторического авангарда. HOK оказывает значительную поддержку художникам в создании нового искусства и новых форм выражения, а также активно работает над производством нового знания, которое распространяется через статьи, каталоги и антологии.

HOK расположен на полуострове Осло-фьорда, примерно в 10 км к югу от Осло. Художественный центр является популярным местом посещения; его живописное расположение и уникальное здание объединяют неповторимые качества Норвегии.

Ligeia. Год XXIV, № 105-108, 2011
Тема выпуска: «Руины, фото и история. Тишина и ярость образов в XXI веке»

Настоящий выпуск представляет собой междисциплинарное исследование, посвященное образам разрушений, памяти и документальной фотографии. Ключевые темы номера включают анализ того, как фотография фиксирует исторические травмы и превращает пространство в сцену для исторического нарратива. В номере подробно разбираются работы таких значительных фотографов, как Пол Грэм (Северная Ирландия), Льюис Бальц, Микаэль Левин, Шай Кремер и Ван Циньсун. Также включены теоретические эссе, посвященные связи фотографии и истории, в частности анализ текстов В. Г. Зебальда и работа Эдуардо Кадава.

Вышедшая в 1972 году книга трех архитекторов впервые ввела в широкий оборот слово "постмодернизм". Пока еще не для философов, но именно у Вентури и его товарищей те его вскоре заимствовали. Учиться у поп-культуры, отказаться от строгости форм, сбросить скучный модернизм с корабля, втащить в него обратно модерн и перемешать с "макдональдсом". Кажется, что Вентури с друзьями надо было бы издать по-русски лет двадцать назад. Сейчас их идеи и откровения могут скорее раздражать, чем вдохновлять. Но, с другой стороны, возможность прочитать главный манифест постмодернистской архитектуры заслуживает внимания.

Основную часть книги составляет великолепно иллюстрированная монография Ирины Чмыревой "Монтируя реальность. Пути фотомонтажа 19—21 веков". Издание осуществлено в связи с проведением в Центре Современной Культуры "ГАРАЖ" выставки "Монтируя реальность. "Два пути жизни" Оскара Густава Рейландера" Оскар Густав Рейландер (1813-1875) — художник и фотограф. Родился в Швеции, изучал живопись в Италии, в 1840 году переехал в Англию, к фотографии обратился в 1852-1853 годах. Созданные в 1857 году "Два пути жизни" в тот же год были показаны на Выставке художественных сокровищ в Манчестере (одном из первых в мире смотре достижений мирового искусства и культуры, где фотография демонстрировалась наряду с другими видами искусств). Рейландер представил разработанную им технику получения фотографических "составных изображений" другим авторам, среди которых был классик британской фотографии Генри Пич Робинсон, создавший впоследствии множество монтажей. В 1872 году Рейландер познакомился с Чарльзом Дарвином и стал автором фотографических иллюстраций к его научному труду "Выражение эмоций у человека и животных". Художник также был известен своими жанровыми фотографическими композициями и активным участием в дискуссиях о фотографии в британской печати.

Проект "Президиум ложных калькуляций" ставил вопрос о сущности и роли рыночной экономики в нашей жизни, суммируя опыт художников в ощущении себя экономическими субъектами. Это попытка зафиксировать реакцию художников на глобальные экономические процессы, присходящие в том числе и на территории современного искусства, ставшего экспериментальной площадкой свободного предпринимательства. Место проведения выставки - руинированное пространство музея - это фрагмент возможного будущего, где рыночные отношения стали экспонатом музея, экспозицию которого создают художники.

Монография содержит результаты комплексного социологического исследования аудитории современного институционализированного визуального искусства в крупных нестоличных городах России. Проект реализован победителем отбора на выделение специальных грантов по благотворительной программе «Меняющийся музей в меняющемся мире» Благотворительного фонда В. Потанина. В исследовании применялась стратегия смешения методов: проанализированы качественные и количественные интервью с экспертами, зрителями, модераторами; использованы этнографические методы, анализ социальных сетей и пр. На основе теоретического и эмпирического анализа обоснован подход к исследованию аудитории современного визуального искусства посредством ее сегментирования и дано описание медиации как синтеза исследовательского метода и способа повышения качества зрительского опыта. Результаты исследования дополнены методическим разделом — музейным и галерейным работникам даются подробные рекомендации по самостоятельному сбору исследовательских данных, также обсуждается, в каких случаях предпочтительно обратиться к профессиональным социологам и как с ими работать. Завершающий раздел — теоретический обзор литературы по vision studies и экспертные мнения.

Книга предназначена широкому кругу читателей — исследователям музейной аудитории, культурологам и специалистам в области культурного менеджмента, урбанистам, музейным работникам, кураторам и руководителям проектов и галерей, искусствоведам и критикам, а также инвесторам, спонсорам и зрителям.

Данная книга представляет собой фундаментальное исследование, посвященное онтологии фотографического образа, концептуальной фотографии и феномену насилия фотографии. Исходя из вводимого автором концепта «фотография - поза логоса», Валерий Савчук проводит границу между жанром ню и порнографией, исследует роль фотографии в современном искусстве, анализирует эстетику провинциальной фотографии, а также выделяет существенные черты кураторского фотопроекта .

В книге впервые представлены взгляды на фотографию Фридриха Ницше и Эрнста Юнгера, который подозревал в фотографии вид оружия и вводит понятие «насилия взгляда». Отличительной особенностью издания является то, что Ницше «представлен» на страницах самостоятельно - в виде своеобразного коллажа из фотопортретов и цитат.

Вторая часть книги посвящена творчеству современных фотографов Петербурга, в котором исследователь обнаруживает актуальное звучание и концептуальное измерение.

В центре исследования авторов вопросы, связанные с тем, что составляет понятие поэтики фотографии – композицией, образом, фотографическими жанрами. Фотограф строит кадр, добиваясь единства видимых линий, форм, фона, фактур. От его творческих усилий зависит выразительность, художественность снимка, поэтому важно понимать структуру кадра и знать, как она складывается. Хорошо осмысленная автором композиция создает целостность всех составных частей кадра и воспринимается зрителем как образность.

В книге анализируются основные типы фотографической образности: в портрете, где внимание фотографа сосредоточено на человеке, на выявлении его индивидуальности; в пейзаже, где ведущая роль отводится пространству; в натюрморте, который повествует о вещах, и т.д. Специальный раздел книги посвящен фотомонтажу. Анализ творческих проблем художественной фотографии ведется в книге на примерах из практики.

Книга рассчитана на широкий круг читателей, интересующихся фотографией.

Каталог выставки "Иван Бианки - первый светописец Петербурга" (27 мая - 19 июля 2005). Художественное наследие Ивана (Джованни) Бианки (1811–1893), швейцарского фотографа, большая часть жизни которого прошла в Петербурге, рассеяно по разным собраниям во многих странах мира. Настоящий каталог объединяет более 400 произведений Бианки, хранящихся в четырнадцати государственных собраниях России и Швейцарии, а также в пяти российских и швейцарских частных коллекциях.

«У истоков фотоискусства»
Каталог выставки в Государственном Историческом музее

Издание посвящено раннему периоду истории фотографии и представляет коллекцию дагерротипов из фондов Исторического музея.

В каталоге собрано около 200 произведений русских и западноевропейских мастеров-дагерротипистов, среди которых А. Греков, С. Левицкий, И. Александровский, Н. Пашков, братья Венингеры, А. Блюменталь и другие. По их работам можно судить о развитии искусства дагерротипии.

Особое внимание уделяется портретному жанру, который впитал традиции миниатюрной живописи. В издании представлены портретные изображения деятелей науки и культуры того времени: историков Н. Грановского и И. Забелина, писателей И. Тургенева и А. Станкевича, певицы Полины Виардо. Уникальную часть собрания составляют снимки из семейного архива А. Герцена, а также дагерротипы из архивов купеческих и княжеских семей (Вишняковых, Вяземских, Трубецких и др.).

Каталог также знакомит с драматическими судьбами персонажей, запечатлённых на ранних снимках (например, портреты сосланных декабристов Волконских), и рассказывает об истории поступления дагерротипов в музейное собрание, начиная с коллекции А. Бахрушина 1905 года.

Издание адресовано историкам фотографии, музейным работникам и всем, кто интересуется ранними этапами развития светописи.

Книга посвящена творчеству крупного советского фотохудожника А. Родченко. В первой главе прослеживается путь мастера в фотоискусстве; рассказывается о различных принципах построения кадра, которые лежали в основе работы Родченко и художников его окружения в 1920-х гг. Во второй главе затрагивается вопрос о влиянии работ Родченко на развитие советского фотоискусства, рассматриваются особенности и специфика его фотографической школы, в кругу влияния которой оказались такие известные мастера, как E. Лангман, Г. Петрусов, Б. Игнатович, В. Грюнталь и другие. В третьей главе анализируются взгляды Родченко – теоретика фотоискусства. Автор знакомит с его концепцией серийности фотографии, с представлениями о принципах композиции, о пресс-фотографии, фото- периодике и подготовке кадров фотографов. 
Текст сопровождается большим количеством воспроизведений фоторабот Родченко.
Для широкого круга читателей.

Сборник посвящен актуальным проблемам фототеории: соотношению художественного начала в снимке с документальным, «работе» пространства и времени в фотокадре, стилистике «игровой» фотографии, взаимовлиянию фотографии и живописи и др. Дан конкретный анализ фотопроизведений.

Издание рассчитано на широкий круг читателей.

Олег Шишкин известен как драматург, историк (в том числе историк фотографии), журналист, но прежде всего, как писатель. Его книгу «Ч/Б» следует рассматривать, в первую очередь, как литературный продукт: читатель не должен удивляться, столкнувшись в исследовательских штудиях и документальных эссе с художественным вымыслом и явными культурными аллюзиями. Именно такой взгляд на визуальный материал позволяет увидеть его в неожиданных и расширенных контекстах; за пунктиром коротких текстов о фотографии и фотографах возникает пунктир большой истории, в этих фотографиях отраженной.

Даглас Кримп – профессор истории искусства в Университете Рочестера, критик, куратор, редактор журнала October с 1977 по 1990 год. Автор текстов о постмодернистской теории искусства, институциональной критике, а также работ в области культурных и визуальных исследований.

«На руинах музея» – его совместный проект с художницей Луизой Лолер. В книге собраны статьи Кримпа, написанные с 1980 по 1989 год. На примере работ таких художников, как Роберт Раушенберг, Шерри Левин, Ричард Серра и Марсель Бротарс, он рассматривает новую парадигму постмодернизма и анализирует статус современного и классического изобразительного искусства в физическом и дискурсивном пространстве музея. Дополненная фотографиями Лолер, эта книга сама по себе служит образцом постмодернистской практики.

В книге «From Image to Interaction» Арьен Мюлдер прослеживает эволюционные линии в изобразительном искусстве последних пятисот лет, которые привели непосредственно к интерактивному искусству наших дней. Он исследует истоки современного искусства — от Леонардо да Винчи и Микеланджело до Кандинского, Мондриана и Пауля Клее, которых он рассматривает не только как великих художников, но прежде всего как великих теоретиков медиа. В этом процессе он обнаруживает, как модели, построенные этими прославленными предшественниками, до сих пор активно используются в областях современного искусства, известных как электронное искусство, видеоарт, машинное искусство, цифровое искусство, медиаискусство и даже «искусство, прежде известное как медиаискусство». Шаг за шагом Мюлдер развивает удивительную перспективу на генеалогию искусства 1910–2010 годов, а также на роль и ценность визуальной культуры и дизайна в настоящем. Он анализирует чувства и переживания, вызываемые живописью, фотографией, цифровыми медиа и интерактивными искусствами, ранее невиданным образом. В сжатом, ясном стиле он разрабатывает теорию искусства не как выражения мировоззрения своей эпохи, но как его исследователя и первооткрывателя.

Предыдущие книги Арьена Мюлдера включают получившее признание «Понимание теории медиа: язык, изображение, звук, поведение» (2004), используемое во многих колледжах и университетах, а также сборники эссе на нидерландском языке, такие как «Фотографическое удовольствие» (2000) и «Женщина, из-за которой Чезаре Павезе покончил с собой» (2005), которые критики хвалили за оригинальность. Он преподает теорию медиа в Утрехтской высшей школе визуального искусства и дизайна (MaHKU) в Утрехте, Нидерланды.

Фотографии стали неотъемлемой частью нашей повседневной жизни: от сенсационных снимков в таблоидах и семейных любительских фотографий до произведний искусства, экспонируемых в галереях и продаваемых на международных художественных рынках. В этом вдумчивом исследовании предмета Стив Эдвардс предлагает ясный, живой и образный подход к определению, значению и смыслу фотографии.

Автор сочетает понимание исторического развития фотографии с анализом её цели и значения в более широком культурном контексте. Эдвардс подробно разбирает как широко известные, так и необычные снимки – от знаменитых и вызвавших бурные споры фотографий «Коттинглийских фей» до пейзажей Ансела Адамса, и от шокирующего и влиятельного снимка Эдди Адамса с казнью вьетконговца до портретных перформансов Синди Шерман.

Книга исследует то, как мы смотрим на фотографии и размышляем о них, поднимая такие вопросы, как правда и фиксация действительности, объективность и изобразительное искусство, идентичность и память.

Книга представляет собой исследование внутренней архитектоники произведения современного искусства, синтаксиса художественного языка на материале творчества российских и западных авторов преимущественно последних пятнадцати лет. Многие из них впервые становятся объектом анализа и обобщенного взгляда, будучи осмысленными как общность. Особый акцент сделан на картине как медиуме, заново осмысляемом в постконцептуалистских практиках. Обращаясь к внутренней конституции художественного образа как такового, автор книги рассматривает произведение как разомкнутую вовне, коммуникативную форму, внутри себя содержащую фигуру зрителя. Принцип отбора художников – параллелизм формальных элементов Исходная предпосылка анализа - очевидность произведения в его наличной данности, фактичности, вне готовых интерпретационно-описательных стратегий.

Книга Андре Руйе «Фотография» – одно из главных событий в области экспертной литературы о фотографии начала XXI века. Руйе предлагает свое видение истории становления фотографической эстетики, а благодаря его широким познаниям в философии и истории искусств читать его работу – это особое интеллектуальное удовольствие. В своем труде Руйе дает всеобъемлющий исторический обзор, посвященный практике осмысления фотографии как культурного явления, как визуального медиума, как арт-техники, делая эту книгу незаменимым источником полезной информации и пищи для размышления.

Натали Эник – социолог, ведущий научный сотрудник Национального центра научных исследований (Франция). Автор множества книг и статей по социологии искусства и культуры, анализирующих идентичность, формы признания и прославления художников, эстетическое восприятие и художественные ценности.
В книге «Слава Ван Гога» Эник исследует феномен восхищения. На примере нищего и близкого к помешательству художника, покончившего с собой в возрасте 37 лет, а ныне канонизированного в роли культурного героя XX века, она пытается разобраться, как конструируется образ великого художника, как картины становятся «произведениями», а затем – «бессмертными шедеврами».

В книге «Самое время» Джефф Дайер предлагает неклассический – нехронологический и нелинейный – взгляд на историю фотографии. Это попытка классификации и систематизации заведомо необъятного материала, при том что используемые критерии заведомо необъективны. Сам Дайер признает, что большего всего его работа похожа на «одну китайскую энциклопедию» Борхеса.

Несмотря на всю импрессионистичность подхода, на первый взгляд кажущиеся разрозненными фрагменты на деле складываются в серьезное и всеобъемлющее исследование. Дайер изучает фотографии и обнаруживающиеся в них сквозные мотивы, находит тончайшие аллюзии и, кропотливо распутывая клубок, в который они неминуемо сплетаются, переходит от одного кадра к другому, от одного сюжета к другому. От «слепых музыкантов» к «ночным городам», от «рук» к «шляпам».

Классическая работа 1958 года известного французского феноменолога посвящена образам пространств, их месту и функционированию в литературе и искусстве – от трактатов Ямвлиха и эссеистики Бодлера до романов Виктора Гюго и картин Ван Гога.

«Поэтика пространства» – одно из самых лирических исследований феномена дома. Башляр приглашает нас в путешествие от подвала до чердака, чтобы показать, как восприятие жилища и других укрытий формирует наши мысли, воспоминания и мечты. Дом для философа имеет грандиозное феноменологическое значение: это место концентрации внутренних процессов человеческого сознания и своеобразная точка отсчета всего эмоционального опыта. Башляр так обосновывает свой выбор: «Наша душа – это жилище. Вспоминая о разных домах, о разных "комнатах", мы научаемся жить внутри самих себя».

Автор рассматривает не только дом в целом, но и его отдельные элементы: чердаки и подвалы, ящики, сундуки и шкафы, а затем переходит к природным «жилищам» – гнездам и раковинам. Отдельные главы посвящены углам, миниатюре, диалектике внешнего и внутреннего, а также феноменологии круглого. На примерах из поэзии (особенно часто – Рильке) и живописи (от Босха и Ван Гога до Руо) Башляр показывает, как из повседневного опыта рождаются захватывающие образы, и объясняет, почему те или иные пространства вызывают у нас чувство счастья, защищенности или уединения.

Главная забота Башляра – разойтись с психоанализом, который стремится вписать поэтические образы в узкобиографический контекст. Вместо этого он предлагает феноменологический подход, сосредоточенный на моменте возникновения образа в сознании и его непосредственном воздействии на душу читателя. Книга адресована философам, архитекторам, писателям, психологам, критикам и всем, кто интересуется природой творческого воображения.

Вилем Флюссер (1920-1991) входит в число виднейших теоретиков медиа, коммуникации и фотографии. Основной мотив его книг – интерес к языку, сближающемуся с миром образов, возможность философствовать с помощью образов и мыслить в фотографических категориях. Автор рассматривает место фотографии в системе коммуникации, проводит ее анализ как средства воздействия на сознание людей. В книге также речь идет о месте фотографии в общественных отношениях, о феномене свободы творца, о технике как таковой на примере фототехники, о последствиях перехода от традиционного к техническому образу.
Тот, кто размышляет о существе дела фотографии, о том, как изменяется реальность с приходом дигитального образа, найдет глубокого и интересного собеседника в лице Флюссера.
В приложении работа Дитмара Кампера (1936-2001) – виднейшего представителя постструктуралистской мысли Германии, размышляющего о насилии взгляда и последствиях все возрастающей очевидности.

В книгу куратора и критика Александра Боровского, заведующего Отделом новейших течений Государственного Русского музея, вошли статьи и эссе, посвященные современной фотографии и photo-based art – наиболее значительным тенденциям, выставкам, мастерам. Для широкого круга читателей.

Книга члена-корреспондента АН СССР, крупнейшего отечественного ученого в области фотографической науки Константина Владимировича Чибисова (1887–1975) представляет собой фундаментальный труд, охватывающий историю развития фотографии от её истоков до конца XX века.

Издание открывается вступительной статьей В. И. Шеберстова и включает пять основных глав, а также подробную хронику и уникальные архивные материалы.

В первой главе рассматриваются истоки фотографии в России и мире: от первых сведений о светописи и камеры-обскуры до развития негативно-позитивного процесса, дагерротипии, воздушного фотографирования и становления художественной фотографии и фоторепортажа в России.

Вторая глава посвящена современному развитию фотографических процессов: количественным методам, спектральной сенсибилизации, цветофотографии, специальным видам фотографии (рентгенография, электрофотография, космическая съёмка), а также бессеребряным процессам.

Третья глава рассказывает об истории организации фотографической науки: о фотографических обществах в России и за рубежом, преподавании фотографии и научных связях.

Четвёртая глава содержит биографические очерки о ведущих зарубежных и отечественных учёных в области фотографии.

Пятая глава представляет собой хронологический обзор развития фотографических процессов и техники – от первых гелиографических опытов Ньепса (1813–1849) до новейших достижений 1970-х годов.

Заключают книгу материалы из переписки основоположников фотографии – Жозефа Нисефора Ньепса и Луи Жака Манде Дагерра, публикуемые на русском языке.

Издание адресовано как специалистам, так и широкому кругу любителей фотографии, интересующихся её историей, технической эволюцией и научными основами.

Сборник материалов одноименного симпозиума, состоявшегося при поддержке Фонда Владимира Смирнова и Константина Сорокина 26 – 27 июля 2014 года в рамках выставки «Не музей. Лаборатория эстетических подозрений» параллельной программы фестиваля MANIFESTA-10»
Куратор выставки Владимир Логутов 
Координатор симпозиума Константин Зацепин

В этом сборнике рассматривается становление художественной жизни в крупных российских городах за исключением столиц. Его цель – инвентаризация культурных активностей на местах, представленная в виде «карты» локальных историй-опытов. Воронеж, Екатеринбург, Краснодар, Самара, Красноярск, Ростов-на-Дону: каждый из этих городов - яркий пример «точки интенсивности» Все истории написаны «от первого лица» непосредственными участниками арт-процесса.

В учебном пособии дается краткий очерк развития фотографии, рассматриваются сферы ее применения, характеризуется фотоспособ получения изображений. Фотография анализируется как вид искусства, изучаются ее изобразительные средства – линейное построение снимка и его световое и тональное решения. В последнем разделе освещается работа фотографа в различных видах и жанрах фотографии.

В книге раскрыто многообразие форм и областей применения фотографии. Рассмотрены изобразительные средства творческой фотографии: линейная композиция снимка, его световая и тональная структура, приемы создания законченного рисунка кадра. Описаны особенности работы фотографа в различных видах и жанрах современной фотографии. Даны практические работы по фотокомпозиции.

На иллюстративном материале рассматривается методика большинства жанров фотографической съемки. Приводятся также сведения по композиции: построение изображения в плоскости съемки, освещение снимаемых объектов, тональное решение снимков. В необходимых случаях даются рекомендации по подбору фотоаппаратов, объективов и технологических процессов обработки фотоматериалов.

Пособие рассчитано как на тех, кто осваивает фотографию самостоятельно, так и на тех, кто изучает ее в учебных заведениях.

Книга известного писателя и исследователя художественной фотографии Наля Подольского посвящена кругу актуальных вопросов, связанных именно с тем, при каких обстоятельствах и с помощью каких средств фотографическая работа становится произведением искусства. Иными словами, это книга о художественной, или арт-, фотографии. Литературы, посвященной этой тематике, в книжных магазинах сейчас нет.

Книга написана в жанре свободного литературного эссе и читается как увлекательная повесть о фотографии. Текст с первых же строчек фокусирует на себе внимание читателя и не отпускает его до последней страницы. Но, наряду с увлекательностью изложения, этот текст несет большое количество информации.

Эстетическая данность пространства рассматривается в концептуальном горизонте эстетики Другого (феноменологии эстетических расположений). Необходимость конституирования эстетики пространства связывается с формированием нового (неклассического) типа чувствительности, фокусирующей внимание на переживании возможности/невозможности иного.

В книге проводится исследование исторических оснований становления новой чувствительности и показывается, каким образом эстетика пространства в качестве эстетики существования (возможности, становления) дополняет эстетику прекрасной формы (эссенциалистскую эстетику). В эстетике пространства выделяются две области опыта, одна из которых определяется через понятие места, а другая – через понятие направления.

Вторая часть книги посвящена анализу конкретных эстетических феноменов, среди которых: простор, даль, высь, высота, пропасть, уют и другие.

Книга представляет интерес для философов, культурологов, литературоведов, искусствоведов, психологов и всех, кто интересуется современной эстетикой, философской антропологией, онтологией и теорией культуры.

Сергей Александрович Морозов (1905–1983) – историк и теоретик отечественного и зарубежного фотоискусства, заслуженный работник культуры РСФСР. Почти полвека своей жизни он посвятил постижению фотографической музы. В печати начал выступать с 1925 года, долгое время сотрудничал в центральных газетах и журналах, работал редактором в агентстве «Союзфото». В послевоенные годы выпустил серию книг по фотоискусству и фотожурналистике, среди которых «Русская художественная фотография», «Советская художественная фотография», «Искусство видеть» и другие.

В издании прослежено развитие взаимоотношений фотографии и изобразительного искусства. Книга состоит из двух частей.

Издание богато иллюстрировано, включает именной указатель и библиографию. Книга адресована фотожурналистам, фотохудожникам и всем, кто интересуется фотографией, ее историей и теорией.

Книга известного искусствоведа представляет собой сборник статей, внутренне связанных между собой и посвященных проблематике бытования текстов об искусстве в сознании читателя и самого искусства в литературных текстах. Речь идет о переводе...

«Феноменология восприятия» — наиболее известное произведение французского философа Мориса Мерло-Понти, написанное в 1945 году. Это докторская диссертация, в которой автор излагает свою феноменологическую концепцию.

Биография Сергея Эйзенштейна была написана киноведом Оксаной Булгаковой по-немецки, затем издана по-английски, а теперь приходит и к отечественному читателю. Адресована книга тем, кто рассчитывает на ясное изложение малоизвестного и очень обширного материала о художнике-новаторе, которого современники называли Русским Леонардо. В возрасте 27 лет Эйзенштейн обретает всемирную славу как революционный художник, а в 50 лет умирает знаменитым, но опальным академиком, измученный постоянными капризами приручившей его советской власти. Книга Булгаковой изящна, увлекательна и основательна; автор виртуозно балансирует между научной солидностью и занимательностью.
Книга рассчитана на самую широкую аудиторию, но станет полезной и для специалиста-знатока, поскольку меняет оптику и ломает стереотипы.
Обширный иллюстративный ряд включает редкие портреты режиссера, обложки посвященных ему прижизненных изданий, а также практически все ранние киноплакаты.

Книга «Разговоры с Кейджем» составлена из сотен интервью, которые на протяжении почти полувека давал ряду изданий и журналистов Джон Кейдж (1912–1992) — величайший музыкальный новатор XX века, философ и поэт, чьи революционные идеи и произведения перевернули наше представление о сущности музыки и искусства в целом. Художник и писатель Ричард Костелянец отобрал из этих бесед характерные отрывки и превратил их в развернутое протоинтервью, скомпонованное в виде одной продолжительной беседы. Получившаяся работа — уникальная возможность познакомиться с личным взглядом Кейджа на собственное творчество, философию и различные аспекты современной культуры. Джон Кейдж лично проверил рукопись Костелянеца и дополнил текст своими комментариями.

Книга выдающегося французского синолога Франсуа Жюльена, профессора философии Сорбонны и директора Института Марселя Гране, представляет собой сравнительный анализ европейской и китайской живописи. По мнению автора, китайская живопись является подлинной философией жизни, которая, в отличие от европейского искусства, не стремится к объективности и не желает быть открытым «окном в мир», предназначенным для единственной истинной точки зрения. Отсутствие формы у великих образов китайского искусства означает непрерывное движение и перетекание форм друг в друга, стирающее ясные очертания вещей и нивелирующее границу между видящим глазом и миром.

Фотокнига латвийского художника Арниса Бальчуса (Arnis Balčus), выпущенная в 2006 году. Проект «Episodes» состоит из двух томов фотоисторий и видеоработ. 

Настоящее издание знакомит с малоизвестным течением русской философской мысли — аналитическим подходом к рассмотрению человеческого духа и предпосылок творческой деятельности.

В книгу куратора и критика Александра Боровского, заведующего отделом новейших течений Государственного Русского музея, вошли статьи и эссе о современной фотографии, наиболее значимым её тенденциям, выставкам и мастерам.

Джон Бёрджер - британский арт-критик, писатель и художник. Его роман "G." получил Букеровскую премию в 1972 году, а сборник эссе "Ways of Seeing" лег в основу одноименного телесериала на "Би-би-си" и вошел в обязательную программу искусствоведческих отделений университетов Англии и США. "Блокнот Бенто" - книга живого классика - посвящена изучению того, как рождается импульс к рисованию. По форме это серия эссе, объединенных общей метафорой. Бёрджер воображает себе блокнот философа Бенедикта Спинозы, или Бенто (среди личных вещей философа был такой блокнот, который потом пропал), и заполняет его своими размышлениями, графическими набросками и цитатами из "Этики" и "Трактата об усовершенствовании разума".

Книга посвящена традиции изображения обнаженного человеческого тела в западноевропейской скульптуре и живописи от античности до Пикассо. Автор знакомит с развитием жанра обнаженной натуры от его истоков до современности, выявляя в нем такие специфические направления, как "нагота энергии", "нагота пафоса", "нагота экстаза" и др. Автор доказывает, что нагота — это основополагающий компонент произведений искусства, выражающий высшие проявления человеческих эмоций и интеллекта. Кеннет Кларк (1903—1983) родился в Лондоне, образование получил в Оксфорде, с 1931 по 1945 год был директором лондонской Национальной галереи, а затем занимал почетную профессорскую должность в Школе изящных искусств Слейда Оксфордского университета. С 1953 по 1960 год Кларк руководил Независимой телевизионной компанией, где выступал с лекциями об искусстве, пользовавшимися неизменной популярностью у самой широкой аудитории в Англии и США Его книги «Пейзаж в искусстве», «Нагота в искусстве», «Моменты видения», «Рембрандт и итальянское Возрождение», «Цивилизация» написаны по материалам этих лекций. Труды Кларка отличает простота и доступность, обусловленные способностью автора находить точки соприкосновения искусства с повседневной жизнью человека.

В своей последней книге автор бестселлеров Магнус Реш рассказывает о том, как художникам всех уровней, возрастов и направлений сделать карьеру в любимом деле. Он отвечает на самые важные вопросы, в том числе: как найти галерею, которая будет представлять мои работы? Как составить заявление художника? Как устанавливать цены на свои работы? И какая стратегия лучше всего подходит для Instagram? Примеры взяты из интервью с ведущими экспертами и практиками, в том числе художниками, галеристами и кураторами. Это бесценный ресурс, в котором объясняются основные принципы ведения бизнеса для художников и рассказывается, как добиться успеха на арт-рынке.

В книге известного петербургского фотографа Александра Китаева собраны и статьи по истории фотографии, заново открывающие малоизвестные широкому читателю имена выдающихся фотографов, и заметки о современном фотографическом сообществе, коллегах, выставках, технической стороне фотопроцесса. Анализируя фотографию изнутри самой фотографии, автор оказывается субъективен в той же мере, что и объективен.

Данный том представляет произведение искусства, каждая страница которого проработана художницей Юлией Страусовой. На этих страницах тексты сотрудников журнала "Кабинет" и активистов Центра Гельмгольца Университета Гумбольдта в Берлине: Юлии Страусовой, Петера Берца, Олеси Туркиной, Филиппа фон Гильгерса, Аннете Бич, Сергея Ануфриева, Вольфганга Хагена, Себастьяна Кайзера, Тимо Хонкела, Владимира Вельминского, Виктора Мазина, Фридриха Киттлера.

В своих репортажах о России мы деликатно затрагиваем российскую психологию. Авторы, получившие задание благодаря своим инсайдерским знаниям о предмете, в своих репортажах раскрывают противоречивую душу современной России. Удержание власти Путиным, олигархи, контролирующие нефтяную отрасль и бизнес в стране, разочарованная и отвергнутая молодежь, новый КГБ, облачившийся в черное под видом ФСБ, — все это отражает настроения в стране, которая, несмотря на аплодисменты, которыми публика приветствовала выходки Ельцина на танке почти 20 лет назад, так и не смогла проникнуться принципами демократии. Фоторепортаж, подготовленный кураторами FotoDepartament, охватывает 150 лет русской портретной живописи, а Шеймус Мерфи путешествует по дальневосточным регионам страны и ее границе с Китаем.

сборник эссе писательницы Сьюзен Зонтаг, опубликованный впервые в 1966 году. В книге собраны эссе, посвящёные различным вопросам литературы, театра, изобразительного искусства и кино. Зонтаг, в частности, пишет о том, как зрителю взаимодействовать с произведением искусства в эпоху переизбытка современной культуры.

Автор, один из фигурантов громкого «театрального дела» режиссёра Кирилла Серебренникова, рассказывает историю своего «сопротивления». Книга эта – одновременно и триллер, и крутой детектив, и готический роман ужасов, это и жесткий памфлет, и автобиография. Но как бы ни определить её жанр, это повествование о стойкости, верности убеждениям и своему делу.

Издание являетcя чaстью ceмиэтапного прoектa «Удел челoвечeский». Содеpжит cтaтьи учacтников первых трёx cесcий, кoтopыe подводят итоги осуществлённой нa них исследоватeльcкой paботы.

Annual Ring - это первый итог работы "Лаборатории вермени", представляющей собой коллаборацию художников и исследователей, обсуждающих многомерные отношения времени и искусства - от архаики следа до темпоральности цифровых симуляций. Том включает материалы семинаров и каталог выставки, где участники Лаборатории исследую время с помощью различных медиальных инструментов и выразительных форм: темпоральной фотографии, видео- и аудио-инсталляций, перформанса и др. Через интерпретации и отдельные конфигурации, образы, схемы книга открывает горизонт рассмотрения времени, каким он дан сегодня в искусстве

Книга посвящена результатам исследования социотехнических барьеров в производстве, распространении и потреблении цифровых технологий, где участниками становятся как разработчики и пользователи, так и ро-
боты, приложения или материальные объекты. Как в дизайне технологии фиксируется решение проблем акторов? Почему разработка информационных технологий — это динамичная политика с противоречивыми участниками процесса? Как происходит ситуативная работа пользователя на этапе внедрения и апробирования технологии? Каким образом создаются и преодолеваются пользовательские барьеры? Что делают пользователи готовых мобильных приложений, чтобы сделать их удобными для себя? Как осуществляется переход на новую технологию? Главы книги дают ответы на эти и другие вопросы.

Каталог представляет подборку ключевых работ Сергея Чиликова 1980-х годов, отражающих его ранний стиль: сочетание документальной точности с философской метафорикой. Экспозиция охватывает сельские и городские пейзажи Марийской АССР, портреты, бытовые сцены.

Ханс Ульрих Обрист (1968, Вайнфельден, Швейцария) – куратор, критик, историк искусства, директор лондонской галереи «Серпентайн», ведущий специальной программы Migrateurs в Музее современного искусства Парижа. В 2009 году журнал ArtReview назвал Обриста самым влиятельным человеком в мире искусства. В своей книге «Краткая история кураторства» Ханс Ульрих Обрист с помощью серии интервью с ведущими кураторами и директорами музеев из Европы и США формулирует оригинальный взгляд на историю современного искусства последних шестидесяти лет как на революцию, истоком которой стали невиданные раньше типы экспозиционной и музейной практики, породившие принципиально новый контекст как для самого искусства, так и для его восприятия зрителями.

Le Château — история Изаака, 25-летнего бывшего студента-художника, который устраивается барменом в небольшой бордель в Амстердамеи переживает там странные приключения.

Борис Гройс — философ, теоретик и критик современного искусства, чьи работы затрагивают вопросы природы современного искусства и роли музеев в его осмыслении.

Михаил Юрьевич Герман — петербургский историк искусства, доктор искусствоведения, профессор, автор книг о искусстве Запада XVIII–XX веков, русском авангарде и современных художниках

Леонид Александрович Бажанов (1945–2025) — ключевая фигура в развитии институций современного искусства в России. Его деятельность была направлена на продвижение и развитие современного искусства в стране, создание пространств для художников, кураторов и исследователей.

«Взгляд на свободного художника» — книга Михаила Айзенберга, изданная в 1997 году. Это сборник критических статей автора, в котором впервые собраны его работы, посвящённые теории искусства и критике.

Кира Владимировна Долинина — художественный критик и обозреватель Издательского Дома «КоммерсантЪ», преподаватель Европейского университета в Санкт-Петербурге. 

Название этой книги – Пять лекций о кураторстве – следует понимать буквально. В марте – апреле 2012 года в московском Институте УНИК мной был прочитан курс Теория кураторства, который и лег в основу настоящей книги. Впрочем, можно уточнить: первая лекция этого курса, Кураторство как нематериальное производство, в основе своей сложилась несколько ранее. В декабре 2009 года она была прочитана в Центре современного искусства РГГУ в качестве введения в мой авторский курс Куратор и его контекст. Опыт авто-реконструкции. Именно тогда я сделал первую попытку дать общее теоретическое определение кураторской практики, которое через три года было представлено мною в УНИКе в более продуманной и уточненной версии. Что касается второй лекции униковского курса и, соответственно, второй главы настоящей книги – Система искусства, – то у нее еще более давняя история, настолько давняя, что точной даты и места прочтения первой лекции на эту тему восстановить уже не удастся. Предполагаю, что основания к обсуждению феномена художественной системы у меня появились в начале 1990-х годов, то есть к моменту, когда у меня накопился достаточный опыт наблюдения над интернациональной художественной инфраструктурой, чтобы позволить себе первые обобщения. В дальнейшем в течение почти двадцати лет мое понимание феномена системы искусства излагалось многократно на самых разных площадках, значительно модифицируясь, в зависимости от изменения как самой системы, так и моего к ней отношения и моего в ней места.

«После искусства» описывает трансформацию искусства и архитектуры в условиях роста цифровых технологий и стремительного ускорения культурного обмена, когда художники и архитекторы начинают работать как одушевленные поисковые системы и вместо того, чтобы создавать новый контент, манипулируют существующим.
Джослит смещает фокус внимания с сотворения и замысла на влияние, которое оказывают образы, когда начинают циркулировать в разнородных сетях. Он утверждает, что образы обладают большой властью благодаря способности к повторению, восстановлению и распространению, и исследует с этой точки зрения работы Мэтью Барни, Ай Вэйвэя и Шерри Левин.

Онейрокнига слов и образов, рассеянных воспоминаний об известных и неизвестных людях, событиях и встречах в Музее сновидений Фрейда, издана к 5-летию его работы.

Цель проекта — найти способ взаимодействия со зрителем не онлайн, а через материальный объект, которому необходимо уделить время. Это стало альтернативой бесконечному переключению между онлайн-форматами во время пандемии

Этот сборник — одна из первых попыток проанализировать ситуацию, сложившуюся с художественным образованием в современном искусстве в России. Кроме текстов известных практиков и теоретиков современного искусства (Глюкля Наталья Першина, Джонатан Б. Платт, Дмитрий Виленский, Цапля Ольга Егорова, Виктор Мизиано, Лиза Хоффман и других) в сборнике представлены тексты и документации проектов студентов Школы Вовлеченного Искусства — институции, организованной коллективом «Что Делать» и ставящей своей целью «развитие нового поколения художников, способных в своем творчестве рассматривать острые проблемы развития социума и находить для них визуальные формы выражения, стимулирующие эгалитарное развитие искусства и общества. Многочисленные фотоиллюстрации - полностраничные и в тексте.

В книге авторы обсуждают роль фотокорреспондента в освещении событий, а также проблемы, с которыми сталкиваются фотожурналисты. 

Исследование ключевых тем современных фотокниг. Автор рассматривает такие темы, как постцифровой и постфотографический этапы развития, цели публикаций, вопросы доступности и процесса чтения.